Valcárcel Medina participa junto a otros once artistas en la sexta edición de ‘Aquí y Ahora’

La sexta edición de ‘Aquí y ahora’, que coordina y dirige Imanol Marrodán, contará en esta sexta edición con el trabajo de varios artistas de diferentes disciplinas, entre las que también se incluye la fotografía. La muestra se inaugura el 14 de diciembre en la galería Blanca Soto.

Maria Alcaide, Pablo Bellot, Clement Carat, Álvaro Chior, Jennifer Custodio, Julio Falagán, Urtzi Ibargüen, Davis Lisboa, Céleste Rogosin, Estela Sanchís y Amélie Scotta, son los artistas seleccionados para participar en la sexta edición de ‘Aquí y ahora’, tras la convocatoria realizada. Además, contará con el trabajo de Valcárcel Medina en calidad de artista invitado.

‘Aquí y ahora’ es un proyecto que trata de promover y difundir el pensamiento y el trabajo de distintos creadores que están trabajando en este tiempo y contexto social y político actual. La idea es poder ofrecer la posibilidad de dar a conocer su trabajo y pensamiento en un contexto específico dentro del propio ámbito profesional.

Esta sexta edición lleva como lema «Power, coruption & lies», inspirado en el título del disco que New Orden publicara en 1983. Según figuara en Wikipedia, Bernard Summer, componente del grupo, lo tomó de la pintada escrita con spray (con esas mismas palabras) que hizo Gerhard Ritchter en 1981 en la fachada de la Kunsthalle de Colonia, el día de la inauguración de una exposición sobre arte conceptua, cosa que el bioógrafo del artista desmiente. Aún así, desde Aquí y ahora han conservado ese lema, intentando visibilizar la utopía, pendiente de la llegada de un Nuevo Orden: Creer y Crear.

Los artistas participantes expondrán el trabajo resultante de la beca residencia de dos meses en Casa Velázquez, que han recibido al ser seleccionados en convocatoria abierta gracias a la colaboración de dicha institución.

Junto a los becados, Aquí y Ahora cuenta también con la participación del reconocido artista plástico Isidoro Valcárcel Medina, como artista invitado. Junto a la exposición se realizará una publicación con las obras expuestas en la galería acompañadas con textos de los propios autores dando y recuperando la importancia de la voz y el pensamiento del propio creador, no solo de su acción u obra específica.

María Alcaide (Aracena, 1992) es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, cursó la Licence en Arts Plastiques en la Université Paris VIII y tiene un Máster de Investigación en Arte y Diseño por Eina-UAB en Barcelona. Desde que finalizó sus estudios se ha centrado en investigar las relaciones estéticas y de poder que se dan en su entorno, dando visibilidad a objetos y personas que en su naturaleza son precarios, materializándolo a través de medios como la instalación o la performance. Su metodología se acerca a la antropología pues parte del extrañamiento para llegar a la solución plástica, pero lejos de tomar una posición de observadora, introduce su cuerpo como eje central de su trabajo, añadiendo casi siempre un tono de ironía a sus piezas.

© Pablo Bellot

Ha obtenido varios premios como el XVII Certamen de Arte Contemporáneo Dmencia o la convocatoria de producción de FAR (Córdoba) y ha participado en diversas exposiciones, entre ellas ‘La guerra desaparece’ en CICUS (Sevilla), ‘La ventana indiscreta’ en el festival LOOP Barcelona junto a Espai Colona o ‘Laboratorio del no hacer’ en BlueProject Foundation (Barcelona). A nivel internacional cabe destacar su aportación a la muestra ‘Translations’ en Emergent Art Space (San Francisco), ’Twelve thirty minutes solo show’ en Agora collective (Berlín) y ‘Trashplotation’ en La Capela (París). Su trabajo ha sido presentado en entornos académicos de investigación como l’École des Hautes Études en Sciences Sociales (París) o la Fundación Tapies (Barcelona).
También ha disfrutado de varias becas de residencia y ha figurado como artista invitada en la X Edición de Artifariti, Festival de Arte y Derechos Humanos del Sáhara Occidental. Este año ha recibido el premio de creación de la Sala d’Art Jove de Barcelona y el premio de producción Iniciarte. En la actualidad sobrevive en Barcelona (hasta que decida mudarse de nuevo), donde combina la producción artística con trabajos precarios.

Pablo Bellot (Alicante, 1976), en su obra podemos encontrar la tragiparida, el bien y el mal, la violencia, el chiste, lo mínimo, la ausencia, la saturación o lo antivisual como parte de las miserias del ser humano. Obsesiones con las que divaga, da vueltas; que acumula a lo largo de los años. Como en su último proyecto ‘El Acto de Comunicación’, una búsqueda de nuevas formas de comunicar y (re)presentar.

Con la máxima de lo mínimo como principio, su obra es reconocida por la utilización del negro, el blanco y el dibujo. El dibujo como pintura y la pintura como dibujo para, desdibujar, saturar y desmaterializar la propia pintura por medio de unos trazos enérgicos y espontáneos, sin prejuicios y completamente libre, próximos al adolescente y al trazo infantil. Toda esta labor pictórica la combina con pequeñas escaramuzas donde poder desarrollar todo los conceptos con los que trabaja, ideando proyectos de carácter instalativo, utilizando el video, la escultura, la fotografía y la acción.

Pablo Bellot es licenciado en Bellas Artes en la Facultad de Altea UMH. Máster en Gestión y Producción Artística en la Universidad de Murcia. Especialista en Artes Visuales cursos de Doctorado Universidad Valencia. Su trabajo ha sido premiado en múltiples ocasiones como la Beca Creación Artística 2007 MUSAC, la Bienal Ciudad de Pamplona, Real Academia San Carlos Valencia, Creación Artística Universidad Zaragoza, el Colegio Gestores Valencia, en la Convocatoria de Artes Plásticas Diputación de Alicante.

© Álvaro Chior

Después de estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Rennes, Clement Carat continuó su carrera en los Países Bajos, Gerrit Rietveld Academie y Sandberg Instituut en Amsterdam, donde participó en un curso experimental de Bellas Artes llamado System D. graduado en 2016. En 2017 obtuvo una beca del programa de residencias de la Casa Velázquez en Madrid donde vive y trabaja en la actualidad.

En su trabajo, el artista desmantela y deconstruye el mundo circundante. A la manera de un manitas o un mecánico, busca encontrar las estructuras internas y los procesos esenciales. Explorando diferentes técnicas y prácticas artísticas, sin embargo, su trabajo muestra una cierta atención a la escultura y el objeto.

Sus esculturas se basan en procesos de trabajo colaborativos. Luego, el artista involucra a gente del mundo popular para que se una a la producción de una obra desde un punto de vista técnico y estético. La tecnología, la mecánica y los vehículos son los temas principales de sus obras.

Álvaro Chior, nacido en A Coruña, es un artista multidisciplinar residente en Madrid. Estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid y posteriormente realizó un máster en desarrollo de proyecto artístico en Blank Paper, Madrid. Sus líneas de investigación ponen el foco en las tensiones y disoluciones entre lo físico y lo virtual, lo organico y lo sobrediseñado, y nuestra relación con la materialidad y la gestualidad en el paradigma informacional actual, caracterizado éste por la inmediatez, la inmaterialidad, la saciedad y la liquidez.

Jennifer Custodio (Vitoria-Gasteiz, 1990) Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, ha realizado el Máster en Estudios Avanzados en Hª del Arte; encontrándose actualmente cursando el doctorado en este mismo área, y realizando una investigación sobre la materia en torno a la que gira su trabajo artístico: el Polaroid.

Una obsesión por el carácter amateurista y la precariedad azarosa de este género fotográfico, ha permitido que sus obras hayan sido seleccionadas y premiadas en su ciudad natal en el Certamen de Fotografía “Gaztekliklak” durante tres años consecutivos; así como en el Certamen Artístico “Gaztearte” con su videoinstalación titulada Recordis; la cual se relaciona con los proyectos audiovisuales que la artista realiza paralelamente. Más recientemente, durante Getxoarte 2015 (Salón de prácticas contemporáneas, Bilbao) y la muestra fotográfica Tetrapack 2016 en el Centro Cultural Montehermoso (Vitoria), se puede observar una madurez creciente y progresiva de su indagación acerca de la instantaneidad reveladora del formato Polaroid.

© Jennifer Custodio

Asimismo, su alucinosis fotográfica ha sido reconocida en tres ediciones de los Premios San Marcos, pronunciándose el año 2015, haciéndose con la Mención de Honor en la categoría de fotografía con sus instantáneas; sin olvidar ese deje audiovisual, adquiriendo así, una selección en esta misma disciplina. Por otro lado, su verborrea poética obtuvo el primer premio en el Certamen Jóvenes Creadores durante el año 2013; un prosa ensayística tanto conceptual como filosófica que se presenta inseparable de sus creaciones artísticas; que también quiso mostrar durante las Primeras Jornada de Arte Joven de CyL en el año 2015.

Julio Falagán (Valladolid 1979) es Técnico de Grado Superior de Ilustración, Escuela de Arte de Valladolid, 1999. Licenciado en Bellas Artes y C.A.P. Universidad de Salamanca, 2004. Su obra ha sido expuesta en países como EE.UU. Argentina, Brasil, Perú, Chile, Korea del Sur, Australia, Italia, Rumanía, Austria, Alemania, Portugal o Lituania entre otros. Su trabajo gira entorno al cuestionamiento del poder y lo establecido mediante el uso del humor y la ironía. Con una justificada falta de respeto por aquello que no se lo merece, dignifica lo banal y lo obsoleto como punto de partida para reflexionar sobre la construcción social y sus fisuras, poniendo en duda cualquier dogma. Un alegato a favor de lo pequeño, lo pasado por alto y lo desechado, dejando en evidencia las grandilocuencias y las verdades absolutas.

Urtzi Ibarguen (Errenteria, 1978). Licenciado en Bellas Artes por la UPV/EHU. Máster en Comisariado en Arte y Nuevos Medios. Mi práctica artística surge del proceso de deslocalización de las tecnologías de fabricación digital a partir de su disolución en forma de huella sobre materiales más tradicionales como la cera, la madera, la lana, el bronce o la cerámica. Así, surge un grupo de obras que remiten a lo antropológico o lo arqueológico a par¬tir de restos, símbolos y construcciones que funcionan como un “fake”. Este “fake”, que en este caso refie¬re a la re-creación neutra, prescinde de la copia o la imitación al carecer de objeto/cosa al que copiar, para desvelar, desde una perspectiva actual, lo que deben ser los restos de algo que podría no tener pasado.

El núcleo del proyecto reside en ese imaginario que surge de este grupo de piezas y que se va construyendo tanto individual como colectivamente a partir de diferentes referencias cercanas a la antropología, la arqueología, la historia o la memoria. Nos invitan ha seguir interrogándonos y reflexionar sobre la esencia última de las cosas a través de cierta maestría técnica y estética, es decir, se sitúan por tanto en la brecha donde se encuentra el arte.
Sean cuales sean las respuestas, se da una narrativa visual que remite a todo presente como pasado, enriqueciendo el imaginario icónico como un sustrato simbólico del conocimiento, aunque todavía no hayamos pasado de la mera especulación. Son piezas que se hacen memoria pero no despejan la duda sobre quienes son los verdaderos.

Davis Lisboa (São Paulo, Brasil, 1965) vive y trabaja en Barcelona desde 1987. Es ilustrador de guiones gráficos (storyboards) y ilustraciones boceto para campañas de publicidad (layouts) con más de 35 años de experiencia. También es artista visual y en 2009, Davis Lisboa ha fundado el Davis Museum, The Davis Lisboa Mini-Museum of Contemporary Art in Barcelona, una entidad cultural creada en una urna de votación a través de Facebook, reconocida por la Generalidad de Cataluña y que es el menor museo de arte contemporáneo del mundo.

© Estela Sanchís

Céleste Rogosin (París, 1989) ive y trabaja en París. Entrenada en las artes escénicas (Danza en el Conservatorio d’Angers, teatro en Cours Florent y escuela L.F.T.P., París ), en su práctica cinematográfica, Celeste Rogosin ha heredado naturalmente los tropismos del cuerpo y su lugar en el espacio. También se pregunta cómo la palabra puede construir espacios paralelos en que los cuerpos pueden moverse.

Los mecanismos de un drama latente se establecen por el poder de la palabra como posible subversión y la construcción de identidades que juntos fundaron su trabajo como artista y cineasta. Elevarse por encima de las cuestiones de identidad y políticas, la atención de Celeste Rogosin se centra en comunidades, grupos heterogéneos teñidos de utopía. Sus cuestiones artísticas giran en torno a la convivencia y el vivir juntos, la idea de que la identidad de un grupo no es la suma de identidades de sus protagonistas. Aunque su trabajo se basa en un realismo documental, juega con sus posibilidades ficticias posteriores, produciendo así un ambiguo trabajo de ficción.

Estela Sanchís. (Valencia, 1988) es licenciada en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València en 2011. En 2012 realiza un posgrado en fotografía de autor en IDEP, Barcelona. Utiliza la fotografía como herramienta y el libro como medio. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en España, Francia, Italia y Colombia, y sus publicaciones han estado presentes en diferentes ferias en torno al fotolibro. En la actualidad cursa el Master de fotografía, Arte y Técnica de la Universitat Politècnica de València.

© Clement Carat

Su trabajo se centra en la observación de lo sutilmente extraño en el día a día, las discretas transgresiones de lo que es considerado normal, como gestos micropolíticos dentro del espacio cotidiano. Empleando lo lúdico como motor creativo, trata de generar situaciones controvertidas que le confronten con el consumo pasivo de objetos, imágenes y experiencias. Las narrativas que de ellas se generan son reconstruidas a partir de escritos, fotografías, videos o instalaciones, en obras que mutan en función del espacio que las alberga.

Amélie Scotta (Nantes,1983) vive y trabaja en París y Bruselas. Diseñadora gráfica por formación, Amélie Scotta utiliza varios medios en su práctica plástica (edición, grabado, fotografía, animación…) pero el dibujo y la escritura siguen siendo sus herramientas principales. Entre el documental, la narración y el juego gráfico, siempre está buscando la poesía, lo absurdo y la intriga en la vida cotidiana que motiva su creación. Además, los idiomas, códigos y los modales de la sociedad son a menudo sus campos de juego y exploración.

Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937) Artista invitado. El trabajo de Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937) –Premio Nacional de las Artes Plásticas en 2007– supone una actitud comprometida y alejada de los aspectos comerciales del arte, por lo que sus obras difícilmente pueden ser ubicadas en los espacios y contextos expositivos habituales. Con ocasión del programa Fisuras del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el artista ha ideado toda una serie de ‘circunstancias’, acciones que emergen de distintos lugares del Museo Reina Sofía a lo largo del otoño. Valcárcel Medina refleja en estas ‘circunstancias’ su actitud crítica con el concepto de lo artístico y de la institucionalización del arte, así como la irreverencia que encierra su manera de ver las formas convencionales de significación.